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80歳で現役を引退後、ワルターから見ると孫の世代のような30歳代のジョン・マックルーアの強引な説得で、彼の意匠をステレオ録音すべく専属のオーケストラ、所謂コロムビア交響楽団が結成され、本セットは1958〜59年に集中的に製作された。その後、彼の死の年まで約５年間にわたり録音プロジェクトが続けられた。ワルターの遺言的産物である。

モーツァルトは19歳の1775年の一年足らずの期間に集中して５曲のヴァイオリン協奏曲を作曲した。これはザルツブルク宮廷楽団のコンサートマスター、アントニオ・ブルネッティのために作曲したと思われる。第５番の第２楽章には、もう一つのアダージョが作曲されており、父レオポルトが「ブルネッティ用のアダージョ」と手紙の中で記していることから、本来の第２楽章がブルネッティの技量を優ってしまっているので、別稿としてヴァイオリンと管弦楽のためのアダージョK.261が、ブルネッティに合わせて作曲された。他の作曲家なら恐らく数年以上はかかるであろう作曲技法の発展が急カーブを描いて上昇しているという、モーツァルトの天才ぶりを示す有名なエピソードである。１番と２番はどこか習作の域を出ていないかのように感じられるのに、３番になると大きい飛躍をしていることを５曲を通して聴いたら誰もが感じ取るだろう。モーツァルトの場合はわずか３ヶ月です。１番（K207）は４月14日、２番（K211）を６月14日に作曲。そして３番（K216）は９月12日に作曲したと記録をのこしている。この間の４曲は何かと覚えを巡らせば、教会ソナタ第６番（K212）、ディヴェルティメント第８番（K213）、セレナーデのための行進曲を２曲（K214,K215）。どれもザルツブルク大司教のための食卓音楽らしい。 大司教は食後にモーツァルトのフィナール・ムジークの演奏を楽しんでいたらしく、これらのディヴェルティメント、セレナーデもそのような機会のために、工夫を凝らして作った。モーツァルトのヴァイオリン協奏曲としては５曲となりますが、ディヴェルティメントや、セレナーデからヴァイオリンがイニシアチブを取る楽章をまとめると13曲、14曲のヴァイオリン協奏曲をすることも可能。時には、ディヴェルティメントの中でヴァイオリンが独奏楽器の役割をはたすときの方が「難しい」くらいです。その経験が大きい飛躍を誘発したのか。オペラか、交響曲か、大きな取り組みがあったのかと思いもしていたのですが、そして、旅行をして新たな音楽からのインスピレーションを得たのかとも考えましたが、彼の周囲で大きな物事はなかったようです。ともかく、最初の二曲は明らかに伝統的な枠にとどまった保守的な作品です。言葉をかえれば、ヴァイオリン弾きが自らの演奏用のために書いた作品のように聞こえます。しかし、３番以降の作品は、明らかに音楽的により高みを目指そうとする「作曲家」による作品のように聞こえます。モーツァルトの人生のターニングポイントが、この19歳の夏に経験したことにあるようだと、想像をふくらませるだけでしかありません。

「ヴァイオリン協奏曲第3番ト長調K.216」「ヴァイオリン協奏曲第4番ニ長調K.218」これらはいずれも、フランス風といわれる甘美で叙情的な曲想で知られるが、モーツァルトの創造に奇跡があるとしたら、特に第３番と呼ばれるト長調・K.216がもっともよくその特徴を備えた秀麗な作品で、モーツァルトのヴァイオリン協奏曲のうち、もっとも親しまれた曲である。上機嫌ではつらつとしたモーツァルトがいかんなく顔を出す第１楽章や、天井からふりそそぐかのような第２楽章のアダージョや、さらには精神の戯れに満ちたロンド楽章などが、私たちがモーツァルトに対して期待するすべてのものを満たしてくれるレベルに達している。特別、第３番K.216でのフランチェスカッティのヴァイオリンは、叙情的な甘美な響きをたたえて、この作品の曲想にふさわしい名演である。特に第２楽章アダージョの、多感な青年モーツァルトの若書きの叙情詩というべき甘美な表情が美しい。コンチェルトの終わりがピアニシモで吐息のように消えていくとき、その目指すところが効果ではなくて精神の感激であるところを魅力的に聴かせてくれます。

若いときのフランチェスカッティはパガニーニのスペシャリストとして、その超絶技巧が売りでした。同時代のヴァイオリニストというとまずはハイフェッツ、そしてオイストラフ、ミルシテイン。パガニーニのフィナーレで、ヴァイオリンが最高音で三度のハーモニーを聴かせながら美しいメロディーを奏でる所、音程は良いのですが簡単そうに弾くので面白みに欠けます。ハイフェッツと同じ時代に活動しなければいけなかったのが彼の不幸だったのでしょう。やはり、芸の違いでしょうか。そして、ハイフェッツは別格としても、オイストラフの重厚さやミルシテインの美音というような、技量や個性、それ以外の「売り」は不足している印象はありますが、フィルム・ノワールの悪党の危うさに魅了されるのと似て、意識的で、雰囲気は妖しくわたしはフランチェスカッティの音色に背中がぞくっと身震いします。

伝統的な手法による古典派やロマン派音楽解釈の第一人者として、20世紀初頭からなかばにかけてのヨーロッパなどで高く評価されてきたブルーノ・ワルターの演奏は、豊かな情感にあふれたロマンティックな美しさを志向したスタイル。半世紀ものあいだヨーロッパの聴衆を魅了し続けてきたという事実は、演奏史に深く刻まれるものです。フリーランスのスタジオ・ミュージシャンの“寄り合い所帯”に近い編成にかかわらず、驚異的なことに、その音楽性は一流の交響楽団にひけをとらない高いレベルを示したが、これは、ワルターの音楽とオーケストラに対するたぐいまれな愛情、マックルーアのプロデューサーとしての実力、そして何よりもワルターの指揮に従う各ミュージシャンのワルターに寄せる敬愛と献身の賜物の成果であろう。

北ドイツの重苦しい冬空を思わせるような重厚な音楽が思い浮かぶ、厚みのあるぼってりとしたワルターの響きと、ハイフェッツのような強靱さはないフランチェスカッティの細身のヴァイオリンの音色が組み合わされると、ゲルマンに押しつぶされそうになりながらも、妙に音がずれているように感じる場面があります。そこにはテクニック的な問題はないのですが、その妙な「ズレ」みたいなものが醸し出す雰囲気は、際どいところをラテン気質が「洒落」でかわしているようで面白い。こういう雰囲気は上手いだけのヴァイオリニストには絶対に出せない風情です。

米国コロムビアの発祥は1930年に設立されたコロムビア・アーティスツ・マネージメント・インクという会社で、ユダヤ系資本が大株主で音楽界に絶大な力を及ぼしていることについては色々と書かれていることもあり、ユダヤ系のレナード・バーンスタインや同時並行して1950年代後半から引退中だったこれまたユダヤ系のワルターの起用したことは周知の事実。モノーラルからステレオの普及黎明期ということもあり、純粋に彼らの仕事を後世に伝えようとする熱意から発展した。なんであれ、こうして大指揮者の最晩年に多くの美しい録音がモノラル・セッションとステレオ両方とで残されたことは幸いでした。

1958年12月10,12,15,17日カリフォルニア、アメリカン・リージョン・ホール録音。名演、名盤。